Valparaiso herido

Masivo concierto a Valparaíso herido.

Con el espectáculo se instauró el Día del Orgullo Porteño, que será celebrado cada 28 de febrero con diversas manifestaciones.




Inti Illimani presente.- La popular agrupación rindió un homenaje a los porteños.

Sorteando el frío viento nocturno, los porteños acudieron en masa a su homenaje. Alrededor de 6 mil personas se dieron cita en la plaza Sotomayor para ser partícipes del mega concierto al aire libre llamado "El amor presente, Valparaíso, mil veces de pie", en el que se presentaron los grupos musicales Inti Illimani -de los hermanos Coulón-, los locales de Gorrión, Los paleteados del Puerto y Congreso, liderado como siempre por su vocalista Pancho Sazo.

Recuerdo de la tragedia

Si bien no es placentero recordar la tragedia ocurrida el pasado 3 de febrero, cuando una explosión y el posterior incendio producto de la misma, devastaron parte de los edificios patrimoniales de calle Serrano, destruyendo vidas humanas y fuentes laborales, la concurrencia cantó y coreó cada uno de los temas musicales que brindaron los artistas como un paliativo al dolor de la ciudad.

Los primeros en presentarse fueron la agrupación Inti Illimani, que interpretaron parte de su repertorio clásico, destacando las canciones "Sambalandó", "Cándido" y la "Canción del elegido", además de dos de sus nuevos temas presentes en su último disco "Pequeño mundo", entre las que sobresalió el son cubano "La tarde está triste". Asimismo, la banda leyó saludos de personalidades porteñas, como el futbolista David Pizarro, quien a pesar de encontrarse en Italia no quiso estar ausente del evento.

La presentación de los artistas corrió a cargo del animador Leo Caprile, el que se sumó a la iniciativa sin dudarlo ni un segundo, así como tantos otros participantes desinteresados liderados por el empresario Lucas Machuca, quienes gratuitamente entregaron su tiempo y recursos para hacer realidad este espectáculo de homenaje.

Posteriormente estaba contemplada la presentación de las agrupaciones locales Gorrión y Los paleteados del Puerto, para finalizar alrededor de la una de la madrugada con la presentacion estelar de Congreso.

Un gran ausente fue la agrupación Los Jaivas, quienes no pudieron estar presentes como se había anunciado con antelación.

De esta manera, con un reconocimiento a la gente anónima de la ciudad patrimonial, y al Cuerpo de Bomberos de Valparaíso, ayer se instauró el Día del Orgullo Porteño, que cada 28 de febrero será celebrado con diversas manifestaciones sociales, culturales y artísticas en honor al Puerto herido.

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Por Valparaíso

Los Jaivas, Inti Illimani y Congreso juntos en Plaza Sotomayor de Valparaíso

Representantes de todos los grupos confirmados para actuar el miércoles en Plaza Sotomayor, junto al alcalde Cornejo, se reunieron con la prensa para dar a conocer el masivo recital del próximo miércoles en Valparaíso. (Foto: J. Jiménez R.). Inti Illimani, Congreso, Los Jaivas y Los Paleteados del Puerto, entre otros, más algunos que falta por confirmar, serán los encargados de entregar un poco de alegría a los habitantes de Valparaíso, en especial a los vecinos de calle Serrano, en un show completamente gratuito que ha organizado la municipalidad de Valparaíso el que se desarrollará el miércoles 28 de febrero en Plaza Sotomayor. Impactados por la tragedia del Barrio Puerto, este grupo de artistas tomó contacto con el municipio para quedar a disposición de ellos y así entregar un granito de arena y subir el ánimo a las personas que tanto han sufrido por la catástrofe. "Mil Veces de Pie", se denomina el espectáculo que comenzará a las 20:00 horas al cual ha sido invitado para participar el Cuerpo de Bomberos de Valparaíso, quienes tuvieron un papel fundamental durante la emergencia.. "Esperamos no sólo levantar el ánimo y olvidar la tragedia que pasó, a pesar de que es muy difícil olvidar a los muertos, pero sí dar una señal potente que en Valparaíso no importan más los edificios, si no que importan más las personas y que ojalá que este concierto por Valparaíso se escuche en todo el país y todos entiendan que la preocupación por Valparaíso no tiene que ser nuestra, si no que de todo el país", señaló el Alcalde Aldo Cornejo. La primera autoridad comunal aprovechó la oportunidad para señalar que el próximo 3 de marzo, al cumplirse un mes de la tragedia, se realizará una misa de campaña en la misma plaza para todos los organismos que de una u otra manera participaron en superar la emergencia. Por su parte el integrante de Congreso, Pancho Sazo, señaló que se están gestionando la venida de algunos artistas que participarán en la versión 2007 del Festival de Viña del Mar, pero no quiso adelantar ningún nombre hasta que estuviera 100% confirmado. Los organizadores esperan que las familias porteñas participen en gran número en esta actividad por lo cual se desarrollarán reuniones con carabineros para que se tomen los resguardos necesarios para velar por la seguridad de los espectadores.

Isabel Allende

Isabel Allende: "Encontré mi voz"

Marcia Facundo BBC Mundo

Desde que publicó su primera novela "La casa de los espíritus" en 1982, Isabel Allende ha nutrido la imaginación de millones de lectores con su narrativa que combina lo fantástico con lo histórico y anécdotas familiares.

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Muchas de las cosas del periodismo me han servido en la literatura.

En el presente, es la autora latinoamericana más leída. Ha publicado 16 libros, de los que se han vendido más de 35 millones de copias. Sus obras han sido traducidas en unos 30 idiomas.

Dos de sus novelas, "La casa de los espíritus" y "De amor y de sombras" fueron llevadas al cine.

La autora chilena visitó nuestros estudios en Washington para conversar sobre su vida, obra y el oficio de escribir.

Allende nació en Lima, Perú en 1942, pero se crió en Chile. Durante la década de los años 60 trabajó como periodista. Formó parte del equipo de redacción de la revista "Paula".

Pero su carrera periodística se vio interrumpida después del golpe de Estado contra su tío, Salvador Allende, en 1973.

Del periodismo a la literatura

La autora se exilió en Venezuela. Allí permaneció 13 años. Trabajó en el diario "El Nacional" de Caracas y fue maestra en una escuela secundaria. Después de muchos años empezó a escribir ficción.

"Sin embargo, muchas de las cosas del periodismo me han servido en la literatura. Por ejemplo, aprender a investigar. Poder hacer una entrevista. Buscar información, tratar de atrapar al lector en las primeras líneas," explica Allende.

En Venezuela escribió su primer libro, "La Casa de los Espíritus", obra que poco después de publicarse le dio fama internacional. Primero fue una carta que le escribió a su abuelo de 99 años que estaba a punto de morir. De misiva pasó a manuscrito y luego a novela.

"Fui muy afortunada, mucho mas afortunada que la mayoría de la gente que tuvo que salir porque en el caso mío después de algunos años encontré mi propia voz en la literatura".

Una mujer fuerte

Allende dice que ciertos acontecimientos en su vida la han hecho una mujer fuerte. Sobre todo la muerte de su hija Paula en 1992, quien padeció de porfiria.

"Me hizo tirar por la borda todo lo que no es esencial. Y quedarme solamente con las cosas que realmente importan en la vida", explica la autora sobre cómo la marcó esa muerte.

Tras el fallecimiento, Allende publicó un libro de memorias titulado "Paula" en 1994. La obra está escrita en forma de carta dirigida a su hija cuando se encontraba en coma en un hospital de Madrid.

Pero después de publicarse la obra, Allende cayó en un estado de profunda tristeza y pasó unos tres años sin poder escribir. Como terapia decidió escribir una memoria humorística sobre el sexo y la comida, que es "Afrodita".

Actualmente reside en el estado de California, en Estados Unidos. Acaba de publicar su novela "Inés del alma mía", libro que llegó a los primeros lugares de la lista de libros más vendidos en América Latina, apenas unas semanas después de salir al público.

Meet The Smithereens

The Smithereens recrean el estallido de la beatlemanía.

IBLNEWS, AGENCIAS

Las canciones de los Beatles han sido interpretadas en infinidad de ocasiones por artistas de todo tipo en los últimos cuarenta años, pero The Smithereens se han atrevido a recrear un disco completo, "Meet The Beatles", que supuso el debut en Estados Unidos del grupo de Liverpool en 1964.

"Meet The Smithereens" (Koch) reproduce fielmente el orden de las canciones de "Meet The Beatles", pero la banda de Nueva Jersey huye de la copia exacta y defiende su propio estilo a lo largo de todo el disco, con el que acaba de regresar al mercado casi ocho años después de su anterior trabajo inédito.

"Meet The Beatles" fue el primer disco publicado por la compañía Capitol en Estados Unidos, en enero de 1964, a dos semanas del primer viaje del grupo a América, y contenía nueve de las catorce canciones de "With The Beatles", el segundo disco editado en el Reino Unido por el cuarteto.

Los temas elegidos para el mercado norteamericano fueron "It won't be long", "All I've got to do", "All my loving", "Don't bother me", "Little child", "Till there was you", "Hold me tight", "I wanna be your man" y "Not a second time". El disco se completó con el single que introdujo al grupo en Norteamérica ("I want to hold your hand" y "I saw her standing there") y "This boy".

Aquel disco, que permaneció meses en el número uno de las listas, tuvo un gran impacto en los jóvenes estadounidenses de la época, como los propios Smithereens han recordado.

"No hubo vuelta atrás después de escuchar este disco", afirma el batería Dennis Diken en la página web oficial del grupo.

La irrupción de aquella colección de canciones y la siguiente actuación televisiva en el famoso Ed Sullivan Show propagaron la "beatlemanía" por Estados Unidos y empujaron a un montón de chavales a conseguir una guitarra y formar un grupo. "No había nada más guay que tocar en un grupo de rock and roll", cuenta Diken.

Han pasado 43 años y The Smithereens se han acercado a ese repertorio con el fervor de un fan y el oficio de una experimentada banda de rock que lleva cerca de tres décadas de carrera.

Hay decenas de bandas por todo el mundo que se divierten y hasta se ganan la vida imitando el sonido original de las canciones de los Beatles hasta sus últimos detalles, pero éste no es el caso del grupo capitaneado por Pat Di Nizio.

Las versiones de los Beatles de "Meet The Smithereens" son perfectamente reconocibles, pero la banda de Nueva Jersey no renuncia a su sonido por emular a sus ídolos.

Es cierto que las armonías vocales de "This Boy" no son tan cristalinas como las de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison en la versión original, pero las interpretaciones de The Smithereens capturan la esencia de las canciones de la primera etapa de los Beatles, y además remontan parte de su ingenuidad original.

El resultado es un homenaje que sirve de reencuentro con los seguidores del grupo, que desde "God save The Smithereens" (1999) sólo había publicado una recopilación de éxitos.

En estos años de inactividad, Pat Di Nizio desarrolló una carrera de solista de perfil bajo y hace cinco años se le pudo escuchar en pequeños locales de varias ciudades españolas acompañado por su guitarra.

Nunca fueron un grupo de masas, pero The Smithereens lograron notoriedad a partir de "Blood and roses" y "Strangers when we meet", ambas de "Especially for you" (1986), su primer elepé y considerado el mejor, publicado por el sello independiente Enigma.

A comienzos de los noventa encadenaron varios éxitos en las listas de rock de Estados Unidos, primero con "A girl like you", de su disco "11" (1990), y "Too much passion" y "Top of the pops", de "Blow up" (1991), ambos editados por la multinacional Capitol.

Tras el discreto "Date with Smithereens" (1994), el grupo se despidió con "God save The Smithereens", cuya portada era una lápida que incluía una foto del grupo, y que en su versión extendida ofrecía ya una versión de los Beatles, "I want to tell you".

La banda de Nueva Jersey regresa ahora de su tumba poseída por el espíritu lejano de la beatlemanía, para demostrar que detrás de toda aquella histeria se escondían unas canciones irresistibles.

Nabokov

MEDIO SIGLO DE 'LOLITA'

Vladimir Nabokov, escribiendo en su cama. (Foto: CARL MYDANS)

EFE

MADRID.- Cuando se han cumplido 50 años de la aparición de 'Lolita', la novela que más fama reportó a Nabokov, Galaxia Gutenberg-Círculo de Lectores publica las 'Obras Completas' del genial escritor ruso, después nacionalizado americano, entre las que, para el lector español, hay abundante material inédito.

Serán en total nueve los volúmenes que se publiquen, a razón de uno por año, pero la editorial ha querido arrancar en estas fechas no con el primero, sino con el tercero: 'Novelas 1941-1957', las del primer periodo americano de Nabokov, por ser este volumen el que contiene 'Lolita'.

Con esta novela, publicada en 1955 en París después de que el escritor, afincado en Estados Unidos desde 1940, la viera rechazada por cinco editoriales norteamericanas, verán la luz 'La verdadera vida de Sebastian Knight', 'Barra siniestra' y 'Pnin', además del guión que Stanley Kubrick le pidió a Nabokov para llevar al cine 'Lolita' -lo que hizo magistralmente en 1962, con James Mason y Sue Lyon en sus papeles principales-, aunque al final no lo utilizara.

Vladimir Nabokov nació en San Petersburgo en 1899, en una familia aristocrática y con dinero que, cuando los bolcheviques llegaron al poder, decidió tomar el camino del exilio. Fueron primero a Crimea, y desde allí a Londres y Cambridge, donde estudió Nabokov, que era trilingüe, pues en casa además del ruso se hablaba francés e inglés.

La familia se estableció más tarde en Berlín, donde en 1925 el novelista conocería en un baile de máscaras a la que habría de ser su mujer durante más de 50 años, Vera Slonim, también rusa y también aristócrata, aunque, en su caso, de origen judío, lo que, ante la embestida nazi, empujó al matrimonio a emigrar a Estados Unidos en 1940.

Nabokov, auténtico prestidigitador de la palabra, había publicado con el pseudónimo de Vladimir Sirin novelas como 'La defensa Luzhin' o 'Invitado a una decapitación', pero tras asentarse en América decidió lanzarse a escribir en la lengua local, no sin antes pasar un doloroso proceso de desprendimiento de su amado ruso, lengua que, según su mujer, había perfeccionado a lo largo de los años hasta hacer de ella "algo único y peculiar de él, un auténtico artefacto de belleza".

En inglés, idioma que comenzó a doblegar a su antojo y a transformar en "algo que, por su cadencia, su melodía y su flexibilidad, jamás había sido antes", también según Vera, Nabokov se estrenaría con 'La verdadera vida de Sebastian Knight' (1941) y escribiría después 'Barra siniestra' y 'Lolita' (1955), que le consagró definitivamente como escritor, y que él mismo traduciría después al ruso.

Sin embargo, para verla publicada tuvo que darla a una editorial francesa, Olympia Press, especializada en literatura erótica y en autores como Jean Genet, Marqués de Sade, Henry Miller o William Burroughs.

La novela, que narraba la obsesiva relación de un hombre maduro con una adolescente precoz, resultaba tabú en Estados Unidos. Y ello, por partida triple, pues a la pasión de aquel adulto por aquella niña de doce años se añadían otras cuestiones también rechazadas entonces, como el matrimonio entre un negro y una blanca, o la existencia feliz de un ateo.

"El mundo es un cachorro que está esperando que alguien salga a jugar con él", decía este autor, amante a partes iguales de la literatura y de las mariposas, en cuyos libros, como señala el escritor Juan Bonilla en el prólogo, "la belleza acaba siendo tan importante como sus personajes principales".

Nabokov, que publicaría después otros títulos de éxito como 'Pálido fuego' (1962) y 'Ada o el ardor', ante el que se rendirían de una vez por todas sus lectores, moriría en Montreux (Suiza) a los 78 años.

Noticia también por aparecer ahora en Anagrama la segunda parte de su biografía -'Los años americanos'-, escrita por Brian Boyd, de Nabokov llegarán en estos nueve volúmenes inéditos españoles como la correspondencia del escritor, cuentos, piezas teatrales como 'El gran Padre' o 'El hombre de la URSS' y poemas, entre otros.

La Cana de nuevo

The Police iniciará su gira mundial de regreso en mayo.

LOS ANGELES, EEUU (Reuters) - El trío británico de pop-rock The Police iniciará una gira mundial en mayo, más 20 años después de que su líder Sting enfureciera a sus compañeros de la banda al abandonarlos para iniciar una carrera solista.

El grupo tuvo un anticipo para sus seguidores el domingo por la noche, al interpretar su éxito "Roxanne" en la ceremonia de entrega de los premios Grammy.

Sting, de 55 años, el guitarrista Andy Summers, de 64, y el batería Stewart Copeland, de 54, comenzarán la gira el 28 de mayo en Vancouver, en Canadá.

Sólo se saben las fechas de los conciertos en Norteamérica. La banda también tocará en Europa durante el otoño y se prevé que también haga apariciones en México, Sudamérica, Japón, Australia y Nueva Zelanda.

The Police se disolvió en 1984 tras siete años. Su última gira mundial fue por el álbum "Synchronicity", el cual incluyó al tema "Every Breath You Take", ganador de un Grammy.

Sting, quien llegó a describir a la banda como un "matrimonio de conveniencia", dejó The Police en busca de una mayor libertad creativa. Entonces, Summers y Copeland sentían que la banda podía seguir adelante, pese a las tensiones internas que frecuentemente terminaban en peleas.

The Police participó en 1986 en una serie de conciertos de Amnistía Internacional y también se reunió en 1992 para la boda de Sting, así como en 2003 cuando ingresó en el Hall de la Fama de Rock and Roll.

Este año parece ser el de las reuniones de varias bandas legendarias. Phil Collins ha vuelto al grupo británico Genesis para una gira veraniega de un mes en Europa, mientras que el cantante David Lee Roth ha vuelto con Van Halen, tras dos décadas de distanciamiento.

Además, Crowded House planea acabar con 10 años de silencio en cuanto encuentren a un sustituto para su fallecido batería, Paul Hester.

John Cage

*Y Cage inventó el silencio*

Alberto González Lapuente.

http://www.abc.es/abcd

La Casa Encendida de Madrid rinde homenaje a la figura de John Cage. Una instalación, mesas redondas y un exhaustivo ciclo de conciertos recuerdan la inconformista trayectoria del compositor norteamericano.

La imagen aún pone los pelos de punta. El escenario muestra, en plano picado, el bastidor de hierro de un piano gran cola cruzado por las cuerdas. En la parte inferior se observa la hilera de macillos e inscrito en la caja el sello de fábrica: Steinway & Sons. Sin duda, se trata de un instrumento con pedigrí. Pero hay más: sorprendentemente, entre las cuerdas puede verse un ejército de tornillos enroscados. Los hay cabezones, planos y hasta de cabeza cuadrada. También se entrelaza alguna moneda. Podría ser el testimonio de un vándalo. Es peor. Se ha cometido un acto sacrílego, un zarpazo cultural. Y, como en cualquier herida, lo peor no es la sangre que desaloja, con todo lo desagradable que esto pueda resultar (hoy en día está más que probada la eficacia de las urgencias sanitarias), lo preocupante es la huella indeleble que va a dejar en el entramado neuronal. El piano se puede restaurar, sólo es un mueble que suena. Pero su sonido, su alma, ha quedado herido de muerte.

Los sonidos son sonidos. Otra fotografía. Parece un buen hombre. Se le adivinan años y una serenidad cercana a la experiencia. Está sentado en una butaca, la mirada perdida por encima de la línea de horizonte. No hace nada. ¿Escucha? Se ha encerrado en una caja con paredes llenas de escamas. Es una cámara anecoica. La casa del silencio. Eso debe ser; eso es lo que ha captado la fotografía. Pero él sí oye algo. El pulso del corazón, el aire rozando los conductos respiratorios, la inquieta salivación, el crujir de algún cartílago, el pestañeo automático. Hay quien sigue creyendo que eso es el silencio. Sólo él conoce la verdad: "Dado que los sonidos son sonidos, otorgan a las personas que los escuchan la posibilidad de ser personas que han encontrado su propio centro y lo llevan dentro de sí".

Conviene leer a Cage para entender su filosofía, su sonido, ese nada-en-medio que quiso descubrir entre el arte y la vida. O mejor aún recorrer su obra. Son muy pocas las ocasiones en las que esto es posible. Al menos desde una perspectiva tan general como la que ahora se propone en La Casa Encendida de Madrid. Documentales, películas y audiovisuales barnizarán un exhaustivo ciclo de música que cuenta con un plantel de intérpretes entre los que hay muchos que estuvieron cerca de él y que diariamente, del lunes 11 al domingo 17, darán un barrido por los cincuenta años de creación del artista americano.

Imperceptible cambio. Los pianistas Steffen Schleiermarcher, Josef Christof y Aki Takahashi, el Cuarteto Arditti, el violonchelista Michael Bach, el Grupo de percusión Drumming que dirige Miquel Bernat, las voces de Joan La Barbara y la Zeitgenössische Oper Berlin y el director Raúl Arbeloa en un concierto protagonizado por "un gran número de músicos y estudiantes de música tocando o cantando sus repertorios a la vez". Y aun, mesas redondas y lectura de textos, además de una instalación, Essay, diseñada para la Documenta 8 de Kassel y que a diario, hasta el 7 de enero, irá casi imperceptiblemente cambiando.

Un paisaje real. Pese a su aparente artificiosidad, la obra de Cage es la exacta reproducción de un paisaje real. A veces visto desde la ventana de un tren como en el happening boloñés Cage's Train (1978); en ocasiones observado desde el mismo interior de la materia. En uno y otro caso el tránsito recorrido acaba por ser de una coherencia admirable. Desde aquel 1938 en el que, casi repudiado por su maestro Arnold Schoenberg, inventa el water gong, hasta poco antes de su muerte, en 1992, cuando aún trabajaba en sus Medicine Drawings. Por medio el descubrimiento de alguna fórmula, por ejemplo: música es al sonido lo que el sonido al ruido, luego también el ruido es música.

La tentación en los 40 es el budismo zen, con la nada de por medio. Llegan las obras silenciosas, a la cabeza la famosa 4:33 para piano (incomprensiblemente repudiada en los planes de estudio del instrumento). Mejor aún, su inmediata consecuencia, 0:00, la nada, como si del origen de la materia se tratara. Y de ahí al azar, en los 50, escapando a la intervención humana tal y como sucede en Music of changes, basada en los principios del I Ching. Más aún la indeterminación de la que Fontana Mix da cuenta con cuatro cintas magnéticas que reúnen trozos desechados de los estudios de la RAI. Trabaja por entonces con el piano preparado (curiosa denominación digna de un cóctel de autor), y prepara happenings reuniendo varios acontecimientos simultáneos, lecturas, baile, música en directo y grabada. Todo entre amigos: los textos del maestro Eckhardt, el pianista David Tudor, el bailarín Merce Cunningham, el artista pop Robert Rauschenberg.

Sevilla, años 30. En los 60, surge la musicircus: una especie de locura que atiende a la multiplicidad de acontecimientos simultáneos y que, por alguna razón, está inspirada en el recuerdo de viejas experiencias vividas por Cage en Sevilla en los años 30. Llegando al final, son los restos de algo que quiere comprometerse hasta constituirse en un modelo social. En definitiva, que semejante recorrido no puede dejar lugar al aburrimiento. Aunque sobre esto hay opiniones. La primera la de Cage: "La música a la que yo me dedico no tiene necesariamente que llamarse música... No hay temas, sólo actividad de sonido y silencio. Quien al escucharla la considere una vivencia significativa pronto se dará cuenta de que el oído recibe cuanto suena en la vida cotidiana con alegría y satisfacción".

*Contra Cage*

J. M. Costa, en ABCD Artes y Letras nº 775, 09.12.2006, pág. 55

Cuando se menciona el nombre de John Cage suele hacerse con la reverencia que merece un gran maestro. Pero reconocer lo liberador de muchos de sus postulados y su liderazgo de una "nueva vanguardia" frente al serialismo o el rigor de la protoelectrónica conduce muchas veces a aceptar su doctrina con los ojos cerrados. Ésta es una actitud poco aconsejable, sobre todo porque a estas alturas los exegetas del gurú han convertido por convertir en canónico un mensaje originado entre lo zen y lo ácrata. Hoy en día existe un corpus muy interesante de "nueva crítica" a las ideas de Cage. Alumnos suyos como George Brecht apuntan: "Cage fue un gran liberador para mí. Pero al mismo tiempo seguía siendo un músico, un compositor. Yo quería hacer música que no fuera sólo para los oídos. La música no es únicamente lo que oyes o escuchas, sino todo cuanto sucede".

Otro crítico no académico de Cage fue Morton Feldman, para quien el gran problema en Cage --lo que conducía sus "técnicas de la indeterminación" a un callejón sin salida-- era precisamente remover al ser humano del proceso creativo. El músico español Francisco López publicó ya hace diez años una dura crítica al compositor americano. Su tesis es que "la filosofía cageana representa, en esencia, una versión exacerbada del paradigma clásico de la música occidental". Una dejación hipotética de toda decisión a favor de lo aleatorio "significaría la destrucción de la música, ya que la música es humana y el sonido no". El final de esta crítica es que, al estar tan centrada en el proceso, "la revolución cageana, en vez de 'liberar la música del gusto y las tradiciones', la restringe de nuevo en las vallas del antiguo paradigma occidental de lo formal y el procedimiento".

En su Noise Water Meat (1999), Douglas Kahn añade: "El dominio cageano de 'todo sonido' y 'siempre sonido' y su correspondiente capacidad para la 'panauralidad', recuerda el alcance total de la expresividad romántica, resonando en voz o en música a través de la eternidad". "Es cierto que Cage --continúa Kahn-- buscó explícitamente subvertir las tácticas basadas en el antropocentrismo, pero todo lo que hizo fue desplazar el centro desde la expresión hacia la audición".

De ahí puede deducirse la crítica, aparecida hace apenas un mes en la revista inglesa The Wire a cargo de Philip Brody: "La apreciación de Cage aparecía delineada por su propia cámara anecoica que excluía el mundo y su ruido cultural... La idea de que el 'sonido' es la esencia de la musicalidad resulta un concepto tan sentimental como la conclusión de El Señor de los Anillos". Nadie duda de la importancia de Cage, de la agitación que trajo al mundo adorniano de las artes, del ejemplo que ofreció. De su humor. Pero incluso los silencios de Duchamp han sido sometidos a crítica. ¿Por qué no Cage?

Congreso live

Congreso tocará "unplugged"





Una especie de concierto "unplugged" es lo que ofrecerá, a las 22 horas de hoy, el grupo Congreso en el Teatro Municipal porteño, quienes además de tocar "desenchufados", presentarán al público su nuevo bajista Federico Faure.

En el show de hoy en la noche podremos ver a un Congreso más intimista, aunque no es primera vez que lo hacen puesto que esto ya se hizo el año pasado en el Teatro Oriente en Santiago. No obstante, la novedad de este concierto es que "va con un acompañamiento de dos coros femeninos, lo cual también es poco usual en nosotros, reforzando un poco lo que en vivo uno hace con cuerdas y con teclados", manifestó Sergio "Tilo" González de Congreso. Aunque el mismo "Tilo" adelantó que "hay una lista de veinticinco canciones" para interpretar pero que "depende mucho del ánimo del público". También van a haber algunas variaciones de los temas íconos de Congreso, "por lo mismo habrá más dinamismo en los interpretes, siendo ya las introducciones distintas".

Nuevo disco

Además en la ocasión interpretarán canciones de su nuevo disco sin editar "Con los ojos en la calle", del cual han ido mostrando algunos de sus temas en presentaciones anteriores.

El disco "puede variar de nombre", dijo González, "ya que mientras uno va tocando temas se van haciendo algunos regalones". También anunció que el disco sería sacado a la venta a mediados de este año.

Las entradas para el concierto se pueden adquirir en las boleterías del Teatro, las cuales tienen un valor de 7 mil platea, 5 balcón y 3 mil galería.

Violeta Parra

Un grupo de chilenos homenajean a Violeta Parra en el 40 aniversario de su muerte.

IBLNEWS, AGENCIAS

Unas 150 personas se congregaron hoy frente a la tumba de la cantante chilena Violeta Parra, en el Cementerio General de Santiago, para rendirle un homenaje en el 40 aniversario de su muerte.

En el acto, organizado por el Partido Comunista y el Sindicato de Folcloristas, se declamaron poemas, diversos grupos de música popular interpretaron canciones de la artista y hasta bailaron cuecas, la danza más tradicional de Chile.

Amigos y seguidores de Violeta Parra, así como representantes del Partido Comunista, depositaron ofrendas florales sobre su tumba en un homenaje cargado de sentimiento, celebrado a pocos metros del Memorial del Detenido Desaparecido.

Los asistentes corearon las canciones de la artista y la vitorearon gritando diferentes consignas.

Sergio Sepúlveda, secretario general de las Juventudes Comunistas de Chile, explicó a Efe que "Violeta no sólo destacó por su capacidad artística sino que también, y principalmente, por la lucha en beneficio de su pueblo".

"Uno escucha ahora sus canciones y se da cuenta de que las problemáticas siguen siendo en el fondo las mismas y, por lo tanto, su lucha sigue siendo la nuestra", añadió.

La actriz chilena Marcela Schultz, encargada de presentar la ceremonia, sostuvo que "el pueblo no olvida a Violeta, que revive con sus canciones y con su lucha contra la injusticia", y destacó la vigencia de sus reivindicaciones en el Chile del siglo XXI.

"Coqueteaste con la muerte y a ella te abrazaste", sentenció la actriz, recordando la muerte de la artista, que se quitó la vida el 5 de febrero de 1967, a los 49 años.

Violeta Parra, autora de célebres canciones como "Gracias a la vida" o "Volver a los 17", es considerada una gran renovadora del folclore latinoamericano.

También se la recuerda por sus arpilleras, que la llevaron a convertirse en la primera latinoamericana que logró exponer sus obras de forma individual en el Museo del Louvre de París.

Albert Hammond Jr.

CONCIERTOS EN MADRID Y BARCELONA.

El guitarrista de The Strokes Albert Hammond Jr. presenta en España su proyecto en solitario.

Albert Hammond Jr. (Foto: EL MUNDO)

EUROPA PRESS

BARCELONA.- El guitarrista de The Strokes Albert Hammond Jr. ha actuado el miércoles en La [2] de la Sala Apolo Barcelona y el jueves en la sala Heineken Madrid para presentar en España su proyecto en solitario.

Albert Hammond Jr. presenta su álbum 'Yours to keep', grabado en los estudios Electric Ladyland, en una actuación íntima en la que contará con la colaboración de Josh Lattanzi al bajo y Matt Romano a la batería.

The Strokes es una de las bandas renovadoras del rock de garaje que saltó a la fama en 2001 con el álbum de debut, 'Is this it', al que siguieron 'Room on fire' y 'First impressions of the Earth', que no han conseguido el mismo impacto.

Albert Hammond Jr. es hijo del célebre músico Albert Hammond. Nacido en 1980, fundó The Strokes en 1999 junto a Julian Casablancas, Nikolai Fraiture, Nick Valensi y Fabrizio Moretti. Han sido muchos los que han comparado a la banda con The Velvet Underground.