Papa Denny

Muere "Papa" Denny.

Denny Doherty (iz.) con sus colegas de The Mamas and the Papas

Denny Doherty, voz principal en el legendario cuarteto de música pop de los años 60, the Mamas and the Papas, murió a la edad de 66 años en su nativa Canadá.

La hermana del cantante, Frances Arnold, dijo que había muerto en su casa en las afueras de Toronto después de una corta enfermedad.

Doherty desarrolló problemas del riñón después de haber sido sometido a una cirugía y necesitaba diálisis.

The Mamas and the Papas alcanzaron el estrellato a finales de la década de los 60 gracias a los éxitos "California Dreamin´" y "Monday, Monday".

El grupo también incluía al principal compositor John Phillips, su esposa Michelle y la segunda voz femenina Cass Elliot.

Denny Doherty nación en Halifax, Nova Scotia, el 29 de noviembre, 1940.

Ya había empezado una carrera en el ambiente de música folclórica cuando se incorporó a the Mamas and the Papas en 1965-

El cuarteto grabó cuatro álbumes antes de disolverse en 1969.

Doherty siguió después de eso con una carrera en solo y también incursionó en la televisión con un programa infantil.

Michelle Phillips es la única sobreviviente del grupo. Cass Elliot murió en 1974 a la edad de 32 años, mientras que John Phillips murió en 2001 a los 65 años.

El grupo entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.

Sir William

LAS COMPOSICIONES SE ESTRENARÁN EL PRÓXIMO FEBRERO

Artistas como Antony Hegarty pondrán música a los sonetos de William Shakespeare

Todas las obras podrán escucharse el 24 y 25 de febrero en Stratford-upon-Avon.


Antony Hegarty, cantante de Antony and the Johnsons, en una actuación. (Foto: R. Termine)

EFE

LONDRES.- La Royal Shakespeare Company, la compañía teatral que se ocupa de mantener viva la obra de William Shakespeare (1564-1616), ha encargado a artistas pop contemporáneos poner nueva música a los famosos sonetos del bardo.

Antony Hegarty, cantante de Antony and the Johnsons, Liz Fraser, de los Cocteau Twins, y Natalie Merchant, del grupo 10000 Maniacs, son algunos de los músicos elegidos, según informa el diario 'The Independent'.

Hegarty ha escogido cinco sonetos que se escucharán sobre un fondo de coro de música gospel, incluido el soneto número 23, que habla de "un actor imperfecto en el escenario" o el número 71, que pide al amante: "No lleves luto por mí cuando haya muerto".

Natalie Merchant ha escogido el soneto 73, en el que el poeta reflexiona sobre su propia mortalidad y los estragos del tiempo.

A la lectura del soneto elegido por cada uno de esos artistas, a cargo de un actor de la Royal Shakespeare Company, seguirá la correspondiente 'respuesta' musical.

Según Deborah Shaw, directora del festival 'Complete Works', en cuyo marco se representa actualmente la totalidad de la obra shakespeariana, los artistas tienen libertad para hacer con los sonetos lo que consideren oportuno, incluso modificarlos.

Los músicos no serán los encargados de interpretar sus propias obras, tarea que corresponderá a la soprano Anna-Maria Friedmann, al tenor John Potter, acompañados por una orquesta de cámara.

Todas esas composiciones podrán escucharse los días 24 y 25 de febrero en una producción titulada 'Nothing Like the Sun' (Nada como el sol), que se estrenará en Stratford-upon-Avon, ciudad natal de Shakespeare y que luego recorrerá diversas ciudades del país.

La idea original de esa producción es de Gavin Bryars, que trabajó como músico de jazz antes de colaborar con John Cage y otros compositores de vanguardia en Estados Unidos y que tendrá también una participación activa en ese evento.

Por otro lado, la Royal Shakespeare Company ha anunciado que encargará nuevas obras de teatro para añadir a su repertorio a autores como Adriano Shaplin, Roy Williams, Leo Butler y Marina Carr.

La idea es que algunos de estos autores trabajen estrechamente con los actores de la compañía y escriban para ellos como ocurría en tiempos de Shakespeare cuando los grupos de teatro eran estables.

music

Syd Barrett

Lanzan tributo a Syd Barrett.

Gilmour y Bowie interpretaron una de las canciones hace pocos meses en Londres.

La ex estrella de la agrupación rockera Pink Floyd, David Gilmour, anunció que lanzará un sencillo en homenaje a su fallecido ex compañero de banda, Syd Barrett.

El álbum cuenta con dos versiones en vivos de canciones escritas por el ermitaño guitarrista, que falleció el año pasado.

En una de las canciones, Arnold Layne, canta David Bowie, que hizo una aparición especial en unos de los conciertos que Gilmour ofreció en Londres en el pasado verano británico.

Barrett fue uno de los miembros fundadores de Pink Floyd y autor de los primeros éxitos de la banda.

Se unió al grupo en 1965 pero lo dejó tres años después, habiendo participado solamente en un álbum.

Recluido

Barrett pasó el resto de su vida recluido en la ciudad británica de Cambridge, y el deterioro mental que sufrió se atribuyó a su consumo de drogas.

Barrett fue uno de los miembros fundadores de la mítica banda.

Bowie siempre ha sido un admirador de la música que Barrett hizo con Pink Floyd, y de su pequeña producción como solista.

Homenajeó al cantautor en el momento de su muerte en julio pasado, diciendo que había sido "una enorme inspiración".

"Su impacto en mi pensamiento fue enorme. Es una gran lástima no haber podido conocerlo. Era realmente un diamante", aseguró Bowie.

El sencillo psicodélico Arnold Layne alcanzó el número 20 en 1967, pese a estar prohibido en ese entonces por la BBC.

Además de la actuación de Bowie, en el álbum también habrá un grabación que cuenta con la voz del tecladista de Pink Floyd, Richard Wright.

La tercera canción del álbum es una versión solista acústica de Dark Globe, una de las canciones del primer álbum que Barrett lanzó como solista, The Madcap Laughs.

El álbum fué lanzado en Internet el día de Navidad, y estaba a la venta en el Reino Unido el día siguiente.

Gabriela Mistral

Gabriela Mistral, 50 años después.

Andrea Henríquez Santiago de Chile

Gabriela Mistral recibe el Nobel en 1945.

Este miércoles se cumplen 50 años de la muerte de la poetisa Gabriela Mistral, la primera mujer latinoamericana en recibir el premio Nobel de Literatura.

Mistral recibió este prestigioso galardón en 1945, cuando en su propio país las mujeres aún no tenían derecho a votar.

Su infancia en un valle del norte de Chile, su labor de maestra, duras experiencias personales y su larga estadía en el extranjero la marcaron profundamente e hicieron germinar su obra.

Vea también: Mistral, a 60 años del Nobel

A 50 años de su muerte, esta mujer cuyo verdadero nombre era Lucila Godoy Alcayaga, permanece viva entre quienes la conocieron y su obra es fuente de inspiración de nuevas generaciones.

Austera y sencilla

"Era una persona muy austera, muy sencilla, alta, pausada, de andar muy tranquilo y muy profunda pero, al mismo tiempo, jugaba con nosotros, jugaba con los animalitos que teníamos y era muy niña, o sea que tenía un contraste muy grande, de personaje y al mismo tiempo muy cotidiana, muy amorosa, muy cercana".

Era una persona muy austera, muy sencilla, alta, pausada, de andar muy tranquilo y muy profunda pero, al mismo tiempo, jugaba con nosotros, jugaba con los animalitos que teníamos y era muy niña Gilda Péndola, colaboradora de Mistral

Así describe a Gabriela Mistral, Gilda Péndola, quien fue durante varios años una de sus colaboradoras más cercanas.

Según señaló a BBC Mundo, se conocieron en Rapallo, Italia, después de la Segunda Guerra Mundial, trabajaron y viajaron juntas, y establecieron una amistad especial.

"Tuve una suerte y la aproveché y la disfruté por muchos años. Fue un regalo haberla conocido y haber compartido con ella por tanto tiempo. Aprendí mucho de ella, de su desprendimiento, de cómo ver las cosas".

Valores

Péndola le dijo a BBC Mundo que varios son los valores que rescata en Gabriela Mistral, entre ellos su amor por los niños y la gente enferma.

"Vez que iba a una ciudad apadrinaba a un niño y le costeaba los estudios. Y cuando había un dolor, ella sentía con la persona que sufría".

Mistral defendió activamente los derechos de la mujer.

Según describe su amiga, la poeta era una persona humilde, que sentía un gran amor por su tierra natal, la naturaleza y el mundo indígena.

"Ella realmente se preocupaba de la naturaleza antes de que la gente se preocupara por la contaminación ambiental, era adelantada a su tiempo. Tenía muchos valores que realmente a mí me marcaron".

Momentos difíciles

La vida de Gabriela Mistral no fue fácil ya que debió enfrentar golpes muy duros, entre ellos la muerte de su hijo.

"El momento más difícil fue la muerte de su niño, ella lo decía en toda hora, en todo momento", le dijo a BBC Mundo Péndola.

En un país donde la imagen de la mujer estaba relegada a un segundo plano y al ámbito de lo privado, surge imponente esta mujer autodidacta, quien a causa de los prejuicios, no siempre fue bien recibida.

"Tenía mucho amor por Chile y se desvivía por Chile y trabajó por Chile durante todo el tiempo que yo la conocí. Ella estaba escribiendo el poema de Chile que era su última obra, pero al mismo tiempo tenía temor de que la gente le hiciera daño porque había recibido mucho daño de algunas personas", señaló Péndola.

Pero según cuenta su compañera de travesías, Mistral también tuvo muchos amigos y gente que la quería.

"Es un ejemplo para las mujeres y anticipada en el tiempo porque eran contadas con los dedos de las manos las que sobresalían, y ella en un país como Chile, prácticamente el último país del mundo, sobresalió en las letras. Era una mujer muy valiosa".

Obra vigente

Para poetas chilenos de la nueva generación, la obra de Gabriela Mistral se valora y está completamente vigente.

Lo interesante es que hoy se agregan nuevas lecturas, que en un tiempo estuvieron vedadas por la crítica conservadora que relegaba a esta rebelde al rol de maestra casi inofensiva Germán Carrasco, poeta

"Lo interesante es que hoy se agregan nuevas lecturas, que en un tiempo estuvieron vedadas por la crítica conservadora que relegaba a esta rebelde al rol de maestra casi inofensiva", le dijo a BBC Mundo el poeta Germán Carrasco.

El poeta Javier Bello, quien se declara un lector apasionado de Gabriela Mistral, señaló a la BBC que es en los años ochenta cuando su obra cobra una relevancia que no había tenido antes.

"Se estableció una lectura de la Mistral como una poesía de urgencia, que tenía que ser leída en ese momento trágico de la vida nacional, que esa poesía leída de determinadas maneras adquiría una significación filosófica, política, de carácter absoluto y fundamental en este panorama".

Según la mayoría de los expertos, la obra de Gabriela Mistral hoy está presente y es considerada parte fundamental del lenguaje poético y un claro reflejo del pensamiento latinoamericano.

Uñas Negras live

Info Fundación Cultural Los Jaivas :

FUNDACIÓN CULTURAL LOS JAIVAS PRESENTA A UÑAS NEGRAS Y SU CD ECLOSIÓN

Tenemos el agrado de dejar con ustedes a Uñas Negras, una banda nueva, quienes el próximo viernes 12 presentarán su reciente álbum, ECLOSIÓN , en el Bar ONACIU, ubicado en Loreto 460 del barrio Bellavista en Santiago.

Anunciamos con mucho placer que entre los integrantes de este grupo se encuentra Fresa Parra, nuestra querida jaivita, hija de Eduardo Parra.

Fresa, junto a seis compañeros de universidad, forman Uñas Negras en Valparaíso en el 2000. De esta manera se da creación a un sexteto experimental, el cual rápidamente abrirá una novedosa puerta musical en la escena underground porteña.

En el año 2004 la banda se transforma en un trio que actualmente está formado por Fresa Parra en la batería, Gonzalo Undurrga en piano y Carlos Canales en guitarra.

ECLOSIÓN

Es el reciente álbum de Uñas Negras.

La grabación es una sola toma continua de 37 minutos y que para su realización se inspiró en los distintos estados de la gestación humana. El registro se realizó un 8 de diciembre, cuando Fresa tenía ocho meses de embarazo.

"Al escuchar este álbum se puede apreciar que estamos frente a una propuesta de amplia libertad y de búsqueda incesante por los caminos del inconmensurable espectro de la expresión musical. El pentagrama inédito de esta obra es igualmente una muestra de apertura de alma y cuerpo por parte de cada uno de estos prolíferos ejecutantes quienes no piensan solamente en sonoridades clásicas. Un proyecto que con su naturalidad y realismo, permite ver lo fantástico, esencial e infinito del cosmos. Cada músico aporta su energía pura la que, al final de cuentas, es la experiencia de la existencia dicha en un lenguaje más que humano, primordial. En estos pasajes musicales se demuestra que la perpetualidad de la vida no tiene fronteras y que la investigación de esta condición divina, baluarte de la inmensidad, concierne a todos los seres humanos, siendo el arte, entonces, una de las vías de e scape y expresión de este poder vital. Estos signos a descifrar, materia del Universo, se estructuran y presentan, también, como uno de los portales de la Creación, quizá el más sensible y apasionado vórtice, el más inquieto depositario. Es el discurso artístico de Uñas Negras, el gesticular espontáneo del misterio, razón primera y última de la Humanidad".

Eduardo Parra (Los Jaivas)

http://www.jaivamigos.cl

Tower Records

Liquidación...

Antonio Muñoz Molina,

en Scherzo. Revista de música nº 213, noviembre 2006, pág. 3.

Un hombre anuncio aún más enorme que las letras rojas del cartel que le cuelga de los hombros da vueltas junto a las puertas giratorias de Tower Records, en una esquina de Lincoln Square, a pocos pasos de algunas de las instituciones musicales más queridas de Nueva York: la Juilliard School of Music, el Avery Fisher Hall, la Metropolitan Opera, el Alice Tully Hall.

En un barrio en el que han vivido y viven tantos músicos --no es infrecuente distinguir desde lejos la formidable cabeza beethoveniana de James Levine-- y por el que circulan tantos aficionados, Tower Records era un gran bazar donde podía encontrarse de todo, todas las músicas posibles, o casi, las de Broadway y las del Metropolitan, el pop más liviano y los blues más venerables, el minucioso archivo alfabético del jazz. Uno venía a propósito o pasaba por delante y no resistía la tentación, o buscaba anticipadamente las obras que iba a escuchar unos minutos más tarde en un concierto, o quería comprar cuanto antes las que acababa de descubrir, y volvía impaciente a casa desgarrando con dificultad la envoltura del disco.

Las horas que he pasado deambulando entre los expositores y mirando discos hasta casi marearme son tan difíciles de calcular como el dinero que me habré dejado en Tower Records. El aficionado a la música, como el aficionado a los libros, tiene algo de acaparador ansioso: nos faltará vida para escuchar todos los discos que hemos adquirido, todos los libros a los que no nos hemos sabido resistir.

Pero en el cartel del hombre anuncio no había ninguna tentadora novedad, sino una sola palabra terminante, Liquidation : la tienda a la que yo llevaba unos meses sin volver estaba a punto de cerrar, y con ella las más de ochenta que tenía la cadena en los Estados Unidos. Con una mezcla de desolación y de rapiña inmediata me apresuré a sacar provecho de los precios de la liquidación.

Se notaba mucho el abandono en una tienda hasta hace nada reluciente. Los anaqueles de las revistas de música estaban vacíos, y había revistas y folletos de promoción tirados por el suelo que nadie se ocupaba de barrer. En la sección de jazz un empleado viejo y de aire abatido le explicaba a un cliente tan rapaz como yo --salía con una gran bolsa amarilla llena de discos-- que más de tres mil trabajadores se iban a quedar en la calle.

No es cosa de ponerse sentimental por la ruina de una gran compañía, cuyos ejecutivos probablemente se han reservado para sí jubilaciones más opulentas que la del hombre que me atendía por última vez, pero tampoco deja de entristecerme la desaparición de un lugar que he frecuentado con tanto provecho y placer a lo largo de los años, y con él la de tantos discos que ya no se sabe a dónde irán, que yo no podré buscar sabiendo que voy a encontrarlos o que no descubriré en el azar de una tarde perezosa.

Ya sé que podré seguir buscando y descubriendo músicas en internet, que los fabricantes están pagando ahora la codicia de mantener absurdamente altos los precios de los discos, que también las grandes cadenas habían borrado del mapa a los pequeños comercios.

Pero me dará pena pasar por esa esquina de Lincoln Square y no ver los escaparates espléndidamente iluminados y las grandes letras rojas de Tower Records, y cuando salga de un concierto entusiasmado por una obra que acabo de escuchar por primera vez ya no podré concederme la gula inmediata de comprar el disco.

Oasis news

Oasis publica 'Stop The Clocks', su primera antología oficial con lo mejor de su carrera.

El lanzamiento coincide con el estreno de la película 'Lord Don't Slow Me Down'.

El líder de Oasis, Noel Gallagher.

(Foto: REUTERS)

ELMUNDO.ES

MADRID.- La banda británica Oasis ha publicado 'Stop The Clocks', su primera retrospectiva oficial con un repertorio que ha sido escogido personalmente por los integrantes del grupo de Manchester entre lo mejor de su carrera.

El álbum 'Stop The Clocks' es el resumen de una trayectoria que comenzó en 1994 con el disco 'Definitely Maybe' y continuó con ('What's The Story) Morning Glory?' (1995), 'Be Here Now' (1997), la recopilación de 'caras B' de 'singles' 'The Masterplan' (1998), 'Standing on the Shoulder of Giants' (2000), el directo Así, aparecen temas como 'Some Might Say', 'Don't Look Back In Anger', 'Go Let It Out', 'Lyla' o'The Importance of Being Idle'. Junto a estos éxitos, el disco ofrece 'caras B' de 'singles' como 'The Masterplan', 'Talk Tonight' y 'Half The World Away'.

El lanzamiento del álbum coincide con el estreno de la película 'Lord Don't Slow Me Down', el primer filme de carretera protagonizado por Oasis, dirigido por Baillie Walsh y rodado durante la gira mundial 'Don't Believe The Truth' en 2005-2006.

A lo largo de su carrera, Oasis ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo.

Al mismo tiempo que se publica 'Stop The Clocks', la British Phonographic Industry (BPI), entidad que agrupa a la industria musical británica, fundada en 1973 e impulsora de los prestigiosos premios Brit, ha concedido a Oasis el Brit 2007 por su "relevante contribución a la música".

Oasis recibirá este premio el 14 de febrero de 2007 en el teatro Earls Courts de Londres, con una actuación en directo que será vista por millones de personas a través de la televisión. El presidente de BPI, Peter Jamieson, ha declarado: "Oasis ha marcado el estándar para muchas de las bandas de rock que actualmente tienen éxito en las listas británicas".

music

Oliver Stone

*La Administración USA multa a Oliver Stone por sus documentales sobre Fidel*

http://www.abcguionistas.com

El guionista y realizador Oliver Stone deberá pagar a las autoridades estadounidenses una multa de alrededor de 6.000 dólares por haber violado el embargo económico de Estados Unidos contra Cuba, al rodar en la isla dos documentales, Comandante y Looking for Fidel, con guión del propio Stone, centrados ambos en la figura del líder cubano, Fidel Castro.

La Oficina de Control de Fondos Extranjeros (Ofac), del Departamento del Tesoro, dio a conocer que los responsables de Comandante y Looking for Fidel, documentales dirigidos por Stone entre febrero de 2002 y mayo de 2003 en Cuba, deberán pagar una compensación de 6.322 dólares por violar el embargo de Estados Unidos contra la isla. El mismo fue aprobado por el congreso estadounidense el 4 de septiembre de 1961 durante la presidencia de Dwight Eisenhower, tras el triunfo de la Revolución y la implementación del sistema comunista, que hizo que Castro nacionalizara las empresas estadounidenses sin compensación alguna y así rompiera vínculos con Washington. Entre las medidas del posterior embargo económico de Estados Unidos para ahogar a Cuba figura la prohibición no sólo de adquirir productos cubanos o realizar cualquier actividad económica en Cuba sino incluso de viajar a la isla.

"La productora y cuatro individuos negociaron servicios en los cuales el gobierno de Cuba o un ciudadano cubano tenían un particular interés para favorecer la realización del documental", indicó la Ofac a un periódico de Miami. Éste señala que entre el equipo de estos films se encuentra Roberto Chile, director al que se vincula con las más altas esferas del poder, quien fuera designado por el Consejo de Estado para captar el regreso a Cuba de Elián González, el niño balsero que fue centro de disputa entre el gobierno y los cubanos residentes en Miami, siendo finalmente restituido por las autoridades estadounidenses a su padre en Cuba.

La penalización recae sobre la productora Ixtlan Corporation e integrantes del equipo de Comandante y Looking for Fidel, donde Stone se entrega a horas de charla con Castro, en las cuales explora el pensamiento del líder cubano, sin ocultar su fascinación, por lo cual el director aseguró que sufrió una campaña en contra por parte de "la mafia cubana de Miami". Inicialmente sólo se iba a realizar el primero, pero luego del arresto de 75 opositores y la ejecución de tres personas que intentaron secuestran un barco para huir a Estados Unidos, Stone retornó en 2003 para hacer el segundo a pedido de la cadena HBO. "Yo no estaba de acuerdo. Para mí, el retrato estaba terminado. Sin embargo, volví. Castro me recibió y de nuevo pasamos treinta horas juntos, en las que ha tenido la ocasión de expresarse sobre la oposición y el secuestro, y de defenderse", dijo por entonces Stone.

El pasado año, Ofac multó con 265.270 dólares a diferentes individuos que violaron el embargo.

David Bowie a los 60

Visconti produjo algunos de los álbumes más aclamados de Bowie.

Este lunes David Bowie, uno de los íconos del rock internacional de las últimas décadas, autor de álbumes clásicos como "Heroes", "Hunky Dory" y "Low", cumple 60 años.

Tony Visconti, el productor que ha trabajado con Bowie en varios de sus discos más memorables, sobre todo en los años 70 y 80, habló con la BBC sobre lo que piensa de Bowie y por qué cree que ha perdurado en una carrera musical que ha abarcado 40 de los 60 años de vida del cantante.

Seis décadas legendarias

Conocí a David cuando tenía 20 años en mi oficina de Oxford Street. Parecía muy nerviosos pero se comunicaba muy articuladamente sobre todo lo que hubiera bajo el Sol.

Se suponía que íbamos a conversar sobre trabajar juntos, pero terminamos hablando de budismo, grabaciones oscuras y películas extranjeras. Terminamos nuestra primera entrevista para ir a ver "A Knife in the Water" de Roman Polanski.

Era muy importante que las palabras encajaran con el impacto de la música radical que acabábamos de grabar. Tony Visconti

Es muy divertido trabajar con él. Su sentido del humor encantador y su confianza en sí mismo invaden el estudio de grabación y todo el mundo se contagia.

Tiene grandes ideas y se rodea de músicos muy talentosos que ayudan a embellecerlas.

Es muy respetuoso hacia sus colaboradores, estimula su creatividad y le da todo el crédito a quienes aportan algo.

La lucha con las letras

Mientras trabajaba en el álbum Heroes le costó escribir las letras. Era difícil para él irse a casa y escribirlas.

Era muy importante que las palabras encajaran con el impacto de la música radical que acabábamos de grabar.

Como consecuencia, compuso sus letras escribiéndolas y cantando dos líneas cada vez al frente del micrófono.

Me decía que pusiera la cinta a grabar y cuando terminaba las dos líneas, decía "paren". Entonces escribía otras dos líneas y pedía que las grabaran inmediatamente después de las líneas anteriores.

Visconti también estuvo detrás del álbum Heroes.

¡Nunca he trabajado con otro artista que pudiera hacer eso!

Ahora, su voz es más profunda y su música es más complicada.

Algunas de las canciones en "Heathen" y "Reality" sólo podrían haber sido escritas por un Bowie muy maduro. El asunto de estos álbumes es mucho más filosófico en su naturaleza que en la música de los '70.

Innovador

Bowie es la más flexible de las estrellas de rock. Nunca se quedó estancado.

Estoy seguro de que sus admiradores quisieran verlo todavía en su atuendo de Ziggy, pero si David todavía sigue presente y muy vital es porque ha matado a sus viejas "personalidades".

En 2003, Visconti produjo Reality, el disco en estudio más reciente de Bowie.

Es un innovador que ha probado una y otra vez que la única manera de hacer de la música una parte vital de la cultura es rompiendo las reglas.

De él nacieron movimientos en el rock en los que a sus imitadores les fue mejor que a él en ventas de discos, como Kiss y Alice Cooper.

No hay nada pretencioso en sus motivaciones. La música rock ha sido sólo una influencia en él.

Él ha tomado su inspiración artística del jazz, del teatro musical, de la música clásica, electrónica, las artes y filosofías asiáticas y del punk, sólo por mencionar algunas.

Se las ha arreglado para amalgamar todas sus influencias y crear nuevos géneros.

Me encantaría hacer al menos un álbum más con él Tony Visconti

De alguna manera, creo que uno tiene al David Bowie definitivo en el álbum "Hunky Dory". Es uno de mis favoritos y ni siquiera lo produje yo.

Desde 1967, cuando empezamos a trabajar juntos, nos hemos influenciado mutuamente.

Cuando trabajamos juntos pasamos mucho tiempo hablando de temas no musicales así como grabando. Me manda un montón de música que no he oído antes.

En este momento no estoy trabajando con él y, hasta donde sé, no está haciendo un nuevo álbum con nadie.

He producido y coproducido una docena de discos con él, pero también ha grabado otros tantos sin mí.

Él tiene la prerrogativa de "mezclar las cartas", de cambiar a su banda y a su productor y respeto esa decisión. Pero me encantaría hacer al menos un álbum más con él en los próximos 10 años.

La autobiografía de Tony Visconti se publica el 7 de febrero (en inglés) en Harper Collins.

Antonioni

*Los "vacíos" de Antonioni*

Antonio Weinrichter.

http://www.abc.es/abcd

Aunque la crítica europea, después de ensalzarlo en los años 60, ha relegado a Antonioni al baúl del olvido, su falta de encadenamiento argumental y sus largos planos observacionales han influido en muchos directores modernos.

Se lamentaba hace unos años el catedrático Domènec Font, en un enjundioso estudio que venía a servir de antídoto a aquello que denunciaba, del largo desinterés de la crítica de cine europea por la figura de Michelangelo Antonioni. Tras haber sido encumbrado y odiado a muerte por igual en la década prodigiosa de los años 60, el cineasta de Ferrara pareció verse sumergido en el olvido o la irrelevancia. Era como si hubieran ganado la partida los que pensaban que era el más peñazo de los cineastas de moda mientras tuvo vigencia la idea de que el cine debía volverse moderno. En eso su destino no difiere mucho de los demás cineastas de la modernidad. Pero el caso de Antonioni tenía el agravante de que sus filmes habían provocado, aun en su momento de apogeo, debates aún más furibundos que los de Godard: que si era un pedante, que si sus películas no contaban nada, que una cosa era retratar el aburrimiento y la incomunicación (¡la famosa incomunicación de Antonioni!) y otra hacer filmes aburridos que no comunicaban nada.

Resurgimiento. El ictus cerebral que sufrió en 1986 y que le dejó hemipléjico pareció cerrar el capítulo de su vida activa, si bien luego resurgió cual ave fénix de la mano de uno de sus discípulos declarados, Wim Wenders, con la película Más allá de las nubes, en la que adaptaba varios relatos cortos propios. Ese mismo año recibió un Oscar honorífico de manos de Jack Nicholson, protagonista de El reportero, el título que marcó el final de su carrera "internacional"; y era como si los miembros de la Academia de Hollywood, que representa un tipo de cine tan distinto, tuvieran más sensibilidad hacia su obra que muchos europeos que parecían cansados ya del paradigma del cine de autor que durante décadas se había opuesto al cine americano de género.

Aportaciones. Puede que la obra de Michelangelo Antonioni esté cerrada ya: hace veinte años que se comunica a través de una portavoz (Enrica Fico) que verbaliza sus gestos y lee las notas que garabatea; y la última pieza que ha firmado, su reciente contribución al filme colectivo Eros, sorprende por el descaro con el que vuelve a las andadas, vaciando su mínima trama de toda intensidad narrativa. Pero ésa fue precisamente una de las grandes aportaciones de Antonioni a la estética del cine: su voluntad de renovar el tempo narrativo tradicional --compacto, sintético y funcional-- para construir otro más cercano a los ritmos de la vida o de la contemplación artística.

El propio cineasta resumió así su programa en 1960, tratando de aclarar el escándalo que provocó en Cannes la narración peripatética sin aparente dirección y carente de conclusión de La aventura : "Me he librado de mucho lastre técnico innecesario, eliminando todas las transiciones narrativas lógicas, todos esos vínculos que hacen que una secuencia sirva de resorte para la que la sucede...".

Desdramatización. Lo que molestaba de este título fundacional era la sustitución de un encadenamiento narrativo por una serie de encuentros episódicos y, sobre todo, la "invención" del tiempo real, la famosa "desdramatización" de Antonioni. Christian Metz intentaría explicar que en sus manos el tiempo muerto no era una ausencia de eventos sino el propósito mismo de la escritura y que "toda la vida del filme pasará por ese tiempo muerto".

Ese programa no siempre fue comprendido en su época --y mucho menos lo sería en la impaciente era posmoderna--; y, sin embargo, puede verse como la fuente que alimenta todo ese cine de largos planos observacionales que han cultivado tantos directores modernos siguiendo su estela. Pero el vaciado produce vértigo (el miedo a la pantalla en blanco, que obliga a saber mirar) a muchos espectadores; aunque se contenga en planos de corta duración, como ese majestuoso final de El eclipse que muestra a lo largo de 7 minutos 60 imágenes "vacías" de los lugares que han visitado anteriormente los amantes Alain Delon y Monica Vitti. Cuenta una leyenda urbana que un exhibidor avispado cortaba la proyección de la película antes de esta secuencia, entendiendo que ya había terminado...

Blow-Up mantiene estas preocupaciones. Su objeto es el swinging London, de cuyos protagonistas diría durante el rodaje: "Estos jóvenes no tienen finalidad alguna ni más incentivo que el de librarse de toda finalidad". Un material humano perfecto para seguir centrándose más en las conductas que en un argumento cerrado. Ésta es una película aproximadamente policíaca en la que no se resuelve el enigma que parece descubrir el fotógrafo David Hemmings cuando toma unas fotos robadas de un idilio ilícito en un parque y, siguiendo una trama criminal, acaba perdido en la trama fotográfica de una infinita ampliación del negativo.

Pero esta especie de metáfora de la imagen que contiene la película no impidió que se convirtiera en la más popular de Antonioni: era, al fin y al cabo, una genuina pieza pop que tenía sexo (top models desnudas), drogas (el mítico porro de Vanessa Redgrave) y hasta rock and roll (los Yardbirds), con rotura de guitarra incluida.