Jazz en Londres

Londres a ritmo de jazz.

Pablo Aguirre, BBC Mundo

En alrededor de 25 salas de conciertos y otros lugares dedicados a la música ha comenzado el Festival de Jazz de Londres que, este año, reúne a cerca de 750 músicos de todo mundo. Este evento anual se realiza entre el 10 y el 19 de noviembre.

El festival tiene una larga tradición. Comenzó en la década de los años 70, cuando se realizaba en el "Alexandra Palace", un inmenso complejo para eventos culturales y artísticos en el norte de Londres.

Después de un gran incendio en ese lugar, el festival se trasladó durante algunos años a Knepworth, al aire libre, en las afueras de la capital, imitando festivales como el de Newport, en los Estados Unidos. Allí tuve la oportunidad de ver y escuchar a Ella Fitzgerald, Art Pepper, Gerry Mulligan y a un joven Wynton Marsalis, entre muchos de los famosos.

Pero el clima británico y los granjeros locales no fueron muy generosos, por lo que se optó por no seguir haciendo uso de ese lugar y a comienzos de los años 90 comenzó a realizarse en algunas salas dispersas del mismo Londres, en forma incipiente y algo tímida.

Los grandes del jazz

Desde entonces ha ido creciendo año a año y hoy constituye uno de los festivales de jazz más importantes de Europa, a la altura de los del Mar del Norte (La Haya), Niza, Peruggia, San Sebastián y Montreux.

Herbie Hancock es uno de los "grandes" que se presenta en el festival.

Por eso, como en años anteriores, vienen a la capital británica algunos de los "gigantes" del jazz, como Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Jim Hall, Cassandra Wilson, Lee Konitz, Nicola Conte, Danilo Pérez, la Spanish Harlem Orchestra, la Orquesta de compositores de Moscú, E.S.T., Michel Camilo y Tomatito, Take 6, Randy Weston y la "Jazz Big Band" de la BBC, entre otros.

Algunos de estos músicos de "estatura" están tocando en grandes salas de conciertos de Londres, como el "Queen Elizabeth Hall", la sala "Barbican" y el "Roundhouse" de Camden Town. El resto se distribuye en más de 20 lugares de jazz de prestigio, la mayoría de ellos clubes de jazz ya establecidos.

Tendencias jóvenes

El festival está organizado y patrocinado por la Radio 3 de la BBC, que transmite nacionalmente los conciertos principales. La Radio 3 se especializa en música clásica y jazz. Este año la consigna artística es "El festival de jazz de Londres: una celebración de la música del siglo XXI". Esto refleja el nuevo impulso que el jazz ha tenido en los últimos años.

Algunos músicos tocarán en el Barbican, una de las salas más prestigiosas de Londres.

Por esta razón el festival abre sus puertas también a las nuevas tendencias en el jazz y a los músicos jóvenes, algunos de los cuales ya gozan de fama internacional, como el trío EST, el saxofonista Soweto Kinch, el italiano Tommaso Starase, Vortex Electrica, Cascade, y nuevos músicos británicos y europeos, como la UMO Jazz Orchestra, de Finlandia.

Igualmente vienen conjuntos de tendencias muy diversas, pero con un pie en el jazz, como los "Swingle Singers", la "Spanish Harlem Orchestra", "Tokyo-Chutei-Iki", Tomatito, la Orquesta Nacional de Escocia, Maria Joao y Mario Laginha, y la Britten Sinfonia, con una mezcla de J. S. Bach y jazz, para nombrar algunos.

En diez días no es posible asistir a todas las presentaciones, por lo que el público asistente al festival debe ser muy selectivo y escoger los conciertos que más les interesen. Pero la BBC transmite la mayoría de ellos en sus diversos programas dedicados al jazz y algunos son grabados para la televisión.

Educando sobre el jazz

Junto con la Radio 3 de la BBC, el festival está patrocinado por el Consejo de las Artes de la Gran Bretaña. Por eso hay también un gran énfasis en la educación y la promoción artística.

Cassandra Wilson no podía faltar en este evento.

Además de las presentaciones musicales, hay exhibiciones de películas documentales sobre algunos de los maestros del jazz, la historia de este tipo de música y otros temas afines. También hay exposiciones fotográficas y eventos organizados para la familia y los niños.

El próximo fin de semana, por ejemplo, habrá actividades y presentaciones gratuitas destinadas a grupos familiares. Los padres podrán llevar a sus niños a la ribera Sur del Támesis, donde se encuentra un complejo de las artes. Allí habrá música al aire libre y una feria artística relacionada con la música de jazz que incluye... ¡actos de magia para todas las edades!

music

John Zorn live

Tejer encajes de acero.

José Manuel Costa, 25.11.2006

http://www.abc.es/abcd

John ZORN: Moonchild.

Mike Patton, voz; Trevor Dunn, bajo; Joey Baron, batería. Sala Apolo, Barcelona, 29.11.2006

Seguro que a John Zorn se le pueden echar en cara un montón de cosas, pero no que sea un perezoso. No se trata de enumerar aquí sus múltiples proyectos y colaboraciones, pues quedaría poco espacio para cualquier otra cosa, pero sí de hablar de Moonchild, que tenía aspecto de pasar (relativamente) desapercibido dentro de su obra y que por suerte visita España estos días. En realidad, el mismo John Zorn no es necesario para que el proyecto Moonchild funcione. El grupo está compuesto por tres personas que ejecutan la música de Zorn, de manera que el autor bien puede quedarse en Nueva York cuidando de su último lanzamiento, Astronome, así como de su sello Tzadik, en donde este mes aparece un disco dedicado al compositor Earle Brown y en el que intervienen músicos como Leo Smith, Joan La Barbara, Mark Feldman, Morton Subotnick o Merzbow.

Claro, esas tres personas, los intérpretes viajeros, son de una ralea bastante especial. Mike Patton es responsable de la voz. El líder de Mr. Bungle o Fantomas no es que cante, sino que emite todo tipo de sonidos vocales, generalmente rozando el grito y la angustia. El batería es Joey Baron quien, como el bajo Trevor Dunn, tiene ya una larga y apreciadísima historia dentro de la escena neoyorquina y a estas alturas en la avant-garde del mundo entero. Los tres han colaborado numerosas veces con Zorn, de manera que entienden a la perfección el espíritu que se pretendía dar al disco y qué medios habían de utilizarse.

Sueño lúcido. De forma progresiva, Zorn ha ido explicando su trabajo en términos entre místicos, telúricos (judíos mayormente) y urbanos.. Aquí, según dice en un libreto que parece escrito en un rapto de sueño lúcido, el compositor explica que ha tomado como inspiración y metodología al compositor Edgar Varèse, a Antonin Artaud (teatro de la crueldad) y Aleister Crowley (satanista mágico). Todo esto es interesante y, en efecto, la música parece responder a esas inspiraciones y a títulos como "Hellfire", "Ghosts of Thelema", "Abraxas", "Possession", "Caligula", "Le Part Maudit", "The Summoning"...

Pero eso es sólo una parte, el sustrato, por así decir. Lo que un buen artista logra es trascender las propias razones que dieron nacimiento a una música y apelar a reflexiones o sentimientos genéricos, no sectarios. Esto se logra en Moonchild de manera brillante. Moonchild abruma, excita, hace reír como sólo hace reír el miedo, impresiona y, definitivamente, no deja impasible.

Pero la base musical es el rock. Esto no es improv, ni jazz, ni contemporánea. La vibración de Moonchild surge de esa vaga noción que tenemos sobre el rock como una música contemporánea y eléctrica donde las vísceras tienen algo que decir, donde se trabaja con altas intensidades y donde la célula es la canción. Al menos ésa es la idea de Zorn.

Un espíritu. Claro, explicar que una música tan aventurada como ésta es rock viene a ser lo mismo que afirmar que Autechre es hip-hop o Merzbow heavy. No se trata tanto de utilizar una fórmula sino los ecos de un sonido, un espíritu, y resulta innegable que un grupo de voz, batería y bajo/guitarra distorsionado funcionando a plena potencia tiene algo que ver con esa idea del rock.

Dicho lo cual, que nadie espere aquí El rock de la cárcel o Tutti Frutti. Ésta es música experimental destinada a traspasar fronteras y clasificaciones. Patton usa su voz como un instrumento, de forma no muy diferente a como lo han venido haciendo algunas voces de la "música contemporánea" pero su punto de partida aquí es bien diferente. Dunn y Baron operan en un terreno cercano a la improvisación, pero tampoco se trata de improvisación pura, sino de un ejemplo de composición actual donde el autor cede parte de la creación a los ejecutantes, cuya elección resulta tan importante como los papeles previamente escritos.

De esta forma, combinando estructura y libertad como si se tratara de una big band de jazz, el resultado, más allá de su ambiente, resulta de una variedad y una sutileza sorprendentes, teniendo en cuenta los escasos elementos físicos con los que se trabaja. No cabe hablar aquí de un encaje flamenco, pero si quizá de una cota de malla especialmente intrincada y llena de matices. Aunque siga siendo sólida. De acero.

music

Miles Davis

Incorporan a Miles Davis al RockWalk de Hollywood

Associated Press

LOS ANGELES - Quince años después de su muerte, el trompetista Miles Davis fue incoporado al paseo de la fama del rock conocido como el RockWalk de Hollywood.

El evento de jueves contó con la participación de músicos y miembros de la familia de Davis, incluyendo a su hijos Erin y Cheryl.

Mientras muchos iconos vivientes han estampado sus manos en la acera frente a la tienda Guitar Center de Sunset Boulevard, Davis será inmortalizado con un busto de bronce que será colocado cerca de la entrada del negocio. El artista murió en 1991, a los 65 años.

Davis comenzó a tocar la trompeta a los 13 años de edad y grabó su primera producción en 1947. Alcanzó la fama fusionando su jazz con sonidos experimentales que dieron paso al jazz funk y el hip hop. Entre sus discos más exitosos están "Round About Midnight", "Birth of the Cool" y "Kind of Blue".

Recientemente, su popularidad fue renovada con un DVD, una película, una exhibición en el museo Smithsoniano y su incorporación al Paseo de la Fama del Rock and Roll, que coincidió con su 80° natalicio.

El RockWalk fue establecido en 1985 con el fin de honrar a músicos que han contribuido de manera importante con la historia de la música.

David Liebman

Música - Saxo solitario

Por Stefano Russomanno.

The distance runner. David Liebmann

David Liebman (Brooklyn, Nueva York, 1946) es, junto con Anthony Braxton y Evan Parker, el mayor exponente de la improvisación al saxo en solitario. A finales de los sesenta, Braxton hizo de la actuación en solitario -liberada de cualquier constricción rítmica y formal exterior- un ejercicio de descomposición tanto de los materiales musicales como de los recursos tímbricos y técnicos propios del saxo, que luego reordenaba en abstractas geometrías sonoras.

Allá por los años setenta, Evan Parker aportaba a sus piezas «a solo» un mayor sentido envolvente: arpegios vertiginosos y sonidos multifónicos eran utilizados por el intérprete como masas a partir de las cuales iba depurando el material temático. El estilo de Liebman es en cambio más lineal y efusivo, con una flexibilidad que es reflejo de sus múltiples influencias («Somos la primera generación -afirma el músico- en tener a nuestra disposición a Jimi Hendrix, Bartók, Coltrane, Ravi Shankar y los cantos tibetanos como referencias auditivas»).

Con respecto a su anterior disco en solitario (Colors), The Distance Runner procede de un concierto en vivo -se grabó en el Festival de Jazz de Willisau (Suiza) en agosto de 2004-, lo que le confiere un tono más directo y comunicativo. Una vez más, Liebman confirma la tendencia de concebir sus solos desde una óptica exquisitamente pictórica, valiéndose para ello de un sonido que sobresale por su gran belleza. El conceptualismo y la abstracción de las improvisaciones son equilibrados utilizando como elemento de inspiración imágenes, símbolos o sensaciones extramusicales, y agrupando luego las piezas en forma de suites. En un caso, puede tratarse de colores. En otro (el tríptico The Tree), las partes adquieren tonos libremente descriptivos relacionados con sus títulos («Raíces», «Troncos», «Ramas»).

La conexión con la música oriental es explícita en Mother, donde el instrumentista coge la flauta de madera y entrelaza ecos que van de la India hasta Japón. Referencias sutiles a la música india aparecen de nuevo en la pieza más amplia y ambiciosa del disco: Time Immemorial. Aquí el saxo de Liebman se apoya en una sección pregrabada realizada a partir de tomas de otros saxos, ora convertidos en ruido puro, ora transformados en una especie de órgano o reconocibles y superpuestos de forma casi polifónica. También estructurado como una suite (en cinco partes: «Antes», «Entonces», «Ahora», «Después»), Time Immemorial se configura como una reflexión sobre el tiempo y su trascendencia.